Fundación Otazu

Ermitage-San-Esteban

Créée en 2016, la Fundación Otazu est responsable de la gestion et de la direction des activités du centre d’art situé à Otazu, en Navarre. Chargée de conserver et d’exposer la Collection d’Art contemporain de la Fondation Otazu dans le cadre unique et chargé d’histoire de la commune d’Otazu, la Fondation propose également un riche programme d’activités artistiques.

La Fondation témoigne de l’intérêt pour la culture des fondateurs de Bodega Otazu, ainsi que de leur caractère international et clairvoyant. La Fondation constitue le ciment de la relation profonde qu’Otazu a établie avec tous les acteurs de la création culturelle à travers sa Collection : au fil des années, Otazu a développé des liens avec des artistes, des conservateurs et des critiques d’art, des architectes et d’autres promoteurs de la création culturelle.

La Fondation témoigne de l’intérêt
pour la culture des fondateurs
de Bodega Otazu

En créant cette Fondation en 2016, Otazu a posé les bases d’une mission artistique au service de la société et de l’environnement. La Fondation vise à promouvoir cette inertie dynamique auprès de la société, en valorisant la réflexion sur l’équation de la durabilité avec l’environnement et sur la création artistique comme l’un des moteurs de l’innovation sociale.

 

La clé de l’activité de la Fondation sera la création de mécanismes pour comprendre l’art et l’engagement ferme d’attirer le talent d’artistes internationaux et de soutenir les jeunes créateurs, conservateurs et éducateurs artistiques. L’éducation, dans ces différentes variantes, sera en effet l’élément générateur de valeur dans la société de la Fondation : l’art dans un environnement naturel, créant un cycle de retour positif pour la société.

En 2020, la Fondation a reçu le Prix «A» au Collectionnisme 2020, décerné par la Fondation ARCO pour son travail de conservation et de diffusion de l’art contemporain.

Objectifs de la Fondation

La Fondation sert un intérêt général et sa mission est de promouvoir un espace d’art expérimental lié à la nature, à l’environnement et aux défis de la société d’aujourd’hui, dans lequel l’artiste est présent, et le processus de création est la clé pour stimuler les personnes à l’action au sein une conceptualisation de l’art dans une perspective réflexive et favorisant une compréhension active et multiple de l’art.

 

La Fondation cherche à créer des connaissances et à aider à réfléchir sur les mécanismes sociaux, économiques et créatifs qui marquent l’époque dans laquelle nous vivons et où la réflexion sur la nature, la communication et la génération d’idées font partie du débat des artistes contemporains.

art weekend, Fondation Otazu
La Fondation part de l’excellence curatoriale dans l’approche de la prise de décision pour la création du projet d’art et d’éducation et poursuivra les objectifs fondamentaux suivants :
Escultura-Arturo-Berned-Cabeza-X-Art-weekend

La Fondation Otazu, à travers les activités qu’elle mène et les discours présents dans sa collection d’art, vise à activer un dialogue entre la nature, l’art et les enjeux de la société contemporaine. La Fondation considère l’art comme un espace de reconnaissance qui permet de réfléchir sur la place de l’homme dans le monde.

 

Par sa relation à l’art, la Fondation vise à développer l’esprit critique. Otazu est un endroit où la relation entre l’art, la nature et la société peut être clairement comprise : y compris la vinification, qui est l’un des éléments historiques qui ont marqué ce lieu pendant des siècles et qui ont façonné le paysage.

 

Avec sa Fondation, Otazu entend étendre son engagement à générer de la valeur sur ses terres, en contribuant non seulement à prendre soin de l’environnement et à sensibiliser au respect de la nature, mais aussi à contribuer à l’amélioration sociale par la création artistique et à créer un dialogue entre cette région et tout le spectre de la créativité internationale.

 

La Fondation veille à la conservation de la Collection Otazu qui sert de base à une éducation artistique visant à encourager des valeurs d’harmonie et de compréhension au sein de la société, en développant une importante activité de formation, avec une dynamique éducative pionnière et en créant un espace pour comprendre l’art d’un point de vue libéral et transversal.

Activités

Les activités de la Fondation visent à créer des impacts tangibles sur la société en suivant les lignes stratégiques énoncées dans les objectifs fondamentaux. Avec sa Fondation, Otazu aspire à contribuer à l’appréciation de l’art dans ses différentes manifestations contemporaines, en faisant le lien et en approfondissant les problèmes que les artistes présentent dans leurs œuvres et dans le contexte d’un environnement naturel tel qu’Otazu.

 

La Fondation considère l’art comme un élément essentiel pour générer de la valeur dans la société à travers l’éducation artistique et promeut une vision internationale et une lecture multiculturelle de l’art et de la culture, soulignant les liens originaux de la Fondation entre la région de Navarre et l’Amérique latine, cette relation entre l’Espagne et l’Amérique latine étant l’argument central de la collection d’art de la Fondation Otazu. La Fondation se veut un catalyseur du mécénat et souhaite impliquer les artistes dans la création d’un dialogue avec la nature et l’entreprise.

 

Un nouveau lieu de communication et de reconnaissance de l’art comme moteur de progrès social. Toutes ces activités permettent de proposer un espace à Otazu avec une dynamique axée sur l’éducation transversale à l’art et son rapport à la nature, instaurant des liens complémentaires qui permettent la création de la culture avec des programmes éducatifs, des programmes d’intensification des compétences artistiques des écoliers, et des ateliers d’art et de créativité.

Les principales activités de la Fondation sont les suivantes:

Création
et conservation d’une collection
d’art

Éducation
artistique

Création de
programmes de
bourses de
production
artistique

Otazu
ArtWeekend

Découvrir

Biennale d’art monumental

Le cœur de l’activité de la Fondation repose sur l’organisation d’un prix international de premier ordre sur la sculpture à travers la Biennale d’Art monumental, dont la première édition a eu lieu en 2016. Il s’agit d’un concours international invitant divers artistes à présenter un projet d’œuvre monumentale qui sera installée à un endroit précis de la cave. Alfredo Jaar, Asier Mendizabal et Hans-Peter Feldmann sont les artistes qui ont remporté ce concours jusqu’à aujourd’hui. Le jury est présidé par Manuel Borja-Villel, directeur du musée Reina Sofía de Madrid.

Bourses de production artistique

La Fondation soutient également la création par le biais de bourses de production artistique et de recherche curatoriale. Le programme de bourses a été inauguré en 2016 par l’artiste Mario Santamaría, dont la pratique créative étudie le phénomène de l’observateur contemporain, en prêtant attention aux pratiques figuratives ou symboliques ainsi qu’aux dispositifs techniques de vision et de médiation et en utilisant des tactiques d’appropriation, de refonte ou de montage. Ses projets interviennent dans divers domaines comme le conflit, la mémoire, la virtualité ou la surveillance.

Collections

La Fondation Otazu propose un riche programme d’activités artistiques et curatoriales basées sur la création et la conservation de sa collection permanente.

Cette Collection constitue le noyau à partir duquel sont développées une série d’activités artistiques et curatoriales, allant de la recherche sur la Collection et sa mise en valeur à la création de liens avec ses créateurs à travers des séjours à la Fondation. La Collection s’appuie sur un prisme de programme didactique s’adressant à divers publics. Parallèlement à la création d’expositions, la Collection offre un service de prêt de ses fonds à d’autres musées et centres d’art à des fins d’exposition dans des salons nationaux et internationaux, en veillant toujours à générer de la visibilité pour l’œuvre et pour l’artiste.

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Collaborations

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Manolo Valdés

Manolo Valdés (Espagne, Valence, 1942) est le fils de María Gracia Blasco Marqués, originaire de la ville d’Altura, dans la province de Castellón. Son enfance et son adolescence ont été étroitement liées à cette localité.

En 1957, il s’inscrit à l’école des beaux-arts de San Carlos, une institution de Valence où il passera deux ans avant d’abandonner ses études pour se consacrer à la peinture.

En 1964, il fonde le groupe artistique Equipo Crónica avec Juan Antonio Toledo et Rafael Solbes, dans lequel il restera jusqu’à la mort de Rafael Solbes en 1981, même si Juan Antonio Toledo a quitté le groupe 2 ans après sa création.

Après la mort de Rafael Solbes, il continue à travailler seul à Valence pendant quelques années, jusqu’à ce qu’il se rende à New York en 1989, où il ouvrira son studio et continuera à expérimenter de nouvelles formes d’expression. Il appartient à la Marlborough Gallery et à la Freite Gallery. Il crée également un atelier à Madrid pour la réalisation de grandes sculptures, alternant la création dans les deux villes.

Œuvre : Ariadna, 2007

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Xavier Mascaró

Xavier Mascaró (France, Paris, 1965), est un sculpteur espagnol diplômé des Beaux-Arts de l’université de Barcelone en 1988, ayant choisi la spécialité peinture. En 1989, il commence à réaliser ses premières œuvres en bronze ; six ans plus tard, il choisit d’utiliser le fer comme principal matériau pour ses créations. Il s’installe à New York entre 1996 et 1998, pour revenir plus tard à Madrid où il travaillera à la réalisation d’œuvres monumentales. En 2004, il retourne à New York. À cette époque, il commence à expérimenter des œuvres dans différents matériaux, notamment le verre au plomb, la résine et la pierre. Il travaille actuellement entre ses ateliers de Mexico et de Madrid.

Xavier Mascaró a une carrière prolifique dans la sculpture avec des œuvres qui ont été exposées dans des villes telles que Paris, Caracas, Vienne, Monte Carlo, Carthagène des Indes, Madrid, New York et Londres, entre autres.

Son ensemble d’œuvres monumentales a récemment été exposé à Londres, Madrid, Séville et Malaga après avoir été présenté pour la première fois au Jardin du Palais Royal à Paris en 2008.

Œuvres : Guardián I et Guardán II, 2008

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Jordi Bernadó

Jordi Bernadó (Espagne, Lleida, 1966) est un photographe catalan. Vivant et travaillant à Barcelone, son travail se caractérise par des recherches sur l’architecture et l’urbanisme, essayant de mettre en évidence les nouveaux systèmes d’habiter le monde dans une société fortement globalisée, et usant parfois d’une fine ironie. Jordi Bernadó étudiait l’architecture lorsqu’il s’est intéressé à la photographie comme moyen d’observer et de définir la ville sous un autre angle.

Depuis ses débuts, il a fait de la ville et de l’architecture l’un des sujets de prédilection de ses photos. Sa mission n’est pas de documenter mais de raconter les grandes transformations de l’espace urbain. Celles-ci ont commencé au XXe siècle et ont été principalement déterminées par des phénomènes de surpopulation ou d’abandon de certains quartiers.

Il a remporté divers prix, tels que la bourse Fotopres en 1993, la bourse Endesa en 2007, le prix Laus en 1999 pour Good News, le prix Photoespaña du meilleur livre de photographie en 2002, le prix du ministère de la Culture du meilleur livre d’art de l’année 2003 avec Very Very Bad News.

Œuvre : portraits pour chaque étiquette de la gamme 1 Ha. Una Historia de Bodega Otazu

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David Magán

David Magán (Madrid, 1979) a suivi une formation à l’École d’arts et métiers de Madrid. Ancrée dans le champ de la sculpture et de l’installation, son œuvre explore ses possibilités par rapport à l’espace dans lequel elle se situe. Ses pièces se présentent sous forme de modules géométriques, conçus en verre ou en méthacrylate, qui inondent de couleur l’espace dans lequel elles se trouvent lorsque la lumière pénètre leur surface. Loin d’être de simples objets esthétiques, les œuvres créées par David Magán sont des éléments dynamiques qui se transforment en fonction de l’endroit où se trouve le spectateur et des possibilités constructives de la pièce elle-même.

Œuvre : The secret behind the barrels, 2016

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Pablo Armesto

Pablo Armesto (Schaffhausen, Suisse, 1970) vit et travaille dans les Asturies (Espagne). Il est peintre, graphiste et créateur d’installations et d’art public, célèbre pour ses interventions in situ. « Mes œuvres sont un peu synesthésiques, car en plus de la vue ou du toucher, elles ont un rythme comme la musique et l’énergie de la lumière. Une œuvre singulièrement poétique qui apporte toujours la lumière et la beauté qui habitent la dualité du noir et blanc, de la lumière et de l’ombre ». Sa recherche artistique se déroule dans un territoire expérimental où la sculpture et la peinture coexistent avec l’immatérialité de la lumière et de l’ombre. La technologie et la science sont des éléments absolument cruciaux dans ce processus. La luminescence de ses pièces est obtenue grâce à des systèmes de LED, néons, cathodes et fibres optiques, associés au bois et aux métaux laqués et offrir une interaction directe avec le public.

Il a participé à des salons internationaux ainsi qu’à de nombreuses expositions individuelles et collectives. Ses œuvres font parties de collections publiques de différents pays comme le Japon, la Suisse, Londres, l’Espagne et la France.

Œuvre : El espíritu del vino, 2019

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Leandro Erlich

Leandro Erlich (Argentine, Buenos Aires, 1973) est un artiste conceptuel argentin qui a participé à des expositions internationales. En 1992, il obtient la bourse du Fonds national des arts puis celle de la Fondation Antorchas en 1994 pour participer au Taller de barracas, dirigé par Pablo Suárez et Luis Benedit. En 1997, il est sélectionné pour la première Biennale d’art du Mercosur, à Porte Alegre, au Brésil. Entre 1997 et 1998, il participe au Core Program de la Glasell School of Art (Museum of Fine Arts of Houston) grâce à la Pan American Cultural Exchange Foundation.

En 2001, il représente son pays à la Biennale de Venise et figure parmi les artistes de l’exposition principale, ainsi qu’en 2005.

L’œuvre de l’artiste a également été exposée à la Biennale d’Istanbul en 2001. En 2008, Leandro Erlich crée une installation de piscine, qui a été exposée au MoMa Ps1 dans la section Long Island City du Queens, New York.

À l’été 2013, l’artiste expose son œuvre Dalston House, une illusion d’optique sur le site de Dalston Mill à Dalston, dans l’est de Londres, avec un immense miroir suspendu à 45º (par rapport à l’horizontale) sur un modèle grandeur nature de la façade d’une maison de style victorien placée horizontalement sur le sol, donnant l’impression que les visiteurs grimpent ou se suspendent à une partie du bâtiment. Le 20 septembre 2015, l’obélisque de Buenos Aires semble avoir perdu sa pointe grâce à une intervention de l’artiste Leandro Erlich réalisée à l’aide d’un miroir.

Œuvre : Valkirias de Otazu-Preludio del Señorío, 2017

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Tony Orrico

Le travail de Tony Orrico (États-Unis, Illinois, 1979) est reconnu dans le monde entier pour son ingéniosité à se déplacer entre le langage de la performance et l’art conceptuel. Il utilise sa propre investigation somatique, Symmetry and Suspension, comme point d’entrée de sa pratique artistique. Il s’intéresse à la façon dont la conscience est structurée et aux façons dont le corps peut interagir avec une surface, un objet ou un processus.

Tony Orrico a réalisé des performances et exposé son travail aux États-Unis, en Australie, en Belgique, en Chine, au Danemark, en France, en Allemagne, au Mexique, aux Pays-Bas, en Pologne et en Espagne. Ses œuvres figurent par des collections telles que l’Académie nationale des sciences – Washington DC et le Musée universitaire d’art contemporain – MUAC, Mexico, ainsi que dans d’importantes collections privées.

« Je consacre mon attention, de manière rationnelle, à la sensibilité de mon corps à un niveau réceptif – comme un ensemble de points et de lignes dans l’espace. De cette façon, j’acquiers un sens de ma corporalité comme quelque chose de géométrique et de mécanique. En agissant sans suivre un axe dominant ou une force directionnelle, je trouve la possibilité de me déplacer d’une nouvelle manière. Le flux de mouvement n’a pas de but, c’est la continuation d’un chemin et la réponse aux stimuli qu’on y rencontre. »

Œuvre : Penwald: 2 : 8 circles: 8 gestures, 2018

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Héctor Zamora

Héctor Zamora (Mexique, Mexico, 1974) s’est diplômé en graphisme à l’Universidad Autónoma Metropolitana-Xochimilco de Mexico, en 1998.

Ces dernières années, le travail d’Héctor Zamora s’est concentré sur des actions impliquant la participation des personnes. Son œuvre transcende l’espace d’exposition conventionnel, le réinvente, le redéfinit, génère des frictions entre les rôles communs du public et du privé, de l’extérieur et de l’intérieur, de l’organique et du géométrique, du sauvage et du méthodique, du réel et de l’imaginaire. S’appuyant sur son expertise technique et sa connaissance de l’architecture des structures lumineuses, et mettant un accent méticuleux sur le processus de conceptualisation et de construction de chaque pièce, Héctor Zamora engage le spectateur et l’oblige à s’interroger sur les utilisations quotidiennes des matériaux et les fonctions de l’espace.

Œuvre : Movimientos emisores de existencias, 2019

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Alfredo Jaar

Alfredo Jaar (Santiago du Chili, 1956) est un artiste, architecte et cinéaste chilien basé à New York depuis 1982. Son œuvre a été très largement exposée dans le monde entier. Il a participé aux Biennales de Venise (1986, 2007, 2009, 2013), de Sao Paulo (1987, 1989, 2010) et de Documenta (Kassel, 1987 et 2002).

Parmi ses expositions personnelles les plus importantes, on retrouve le New Museum of Contemporary Art de New York, la Whitechapel Gallery à Londres, le musée d’Art contemporain de Rome, le Moderna Museet de Stockholm, le Museum of Contemporary Art de Chicago, le Centro d’Art Santa Monica de Barcelone et le Yorkshire Sculpture Park au Royaume-Uni.

Il a réalisé environ 5 projets dans l’espace public. Plus de 60 monographies de son œuvre ont été publiées.

Son œuvre figure parmi les collections du Museum of Modern Art, Guggenheim Museum ; Whitney Museum, New York ; Museum of Contemporary Art ; Los Angeles,  Los Angeles Museum of Art ; Art Institute of Chicago ; Museum of Contemporary Art, Chicago ; le Philadelphia Museum of Art ; le Houston Museum of Fine Arts ; le TATE à Londres ; le Centre Pompidou à Paris ; le musée Reina Sofía à Madrid ; le MACBA à Barcelone ; le Moderna Museet à Stockholm ; M+ à Hong Kong ; et d’innombrables institutions et collections privées à travers le monde.

Œuvre : El color de nuestras vidas, 2015

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